Ästhetik und Symbolik der Plattenrüstung

Ich heiße Martin Klecán, arbeite als Museumshistoriker im Museum in Strakonice und beschäftige mich unter anderem mit mittelalterlicher Kriegskunst und Ausrüstung. Ich verbinde dieses Thema gerne mit der Popkultur, da viele Dinge (sowohl materielle als auch ideelle) bis in die Moderne überdauert haben. Umgekehrt sind manche Aspekte mittelalterlicher Unterhaltung gar nicht so weit von unserem heutigen Kulturverständnis entfernt. Wenn man genauer hinsieht, hat ein Ritterturnier erstaunlich viele Gemeinsamkeiten mit einer modernen Convention.

Die folgenden Zeilen befassen sich hauptsächlich mit der ästhetischen Seite der Rüstung und ihrer Verzierung. Sie sind kein Handbuch nach dem Motto „So muss es sein und nicht anders“. Ich habe diesen Artikel einfach geschrieben, weil er für jemanden nützlich sein könnte. Egal, ob du ein Fan von Living History bist, einen Charakter für ein Spiel entwirfst oder dich einfach nur für das Thema interessierst. Es ist kein Regelwerk, sondern im Idealfall eine Quelle für Informationen und Inspiration sowie ein kleiner Einblick, wie der Besitzer oder Hersteller über eine Rüstung dachte.

Wenn dich der Artikel interessiert und du mir eine Frage stellen möchtest, findest du mich im Internet unter dem Nicknamen Hrafna oder auf Instagram unter @hrafmart.

Rüstung als Kunstwerk

Die Hauptfunktion einer Rüstung war es immer, den Träger am Leben zu erhalten oder zumindest schwere Verletzungen zu verhindern. Und obwohl dies das Aussehen der Rüstung maßgeblich bestimmte, wurde die ästhetische Seite mit der Zeit immer wichtiger – umso mehr, je weiter die Technologie voranschritt. An einem Kettenhemd lässt sich nicht viel verzieren, aber eine Plattenrüstung ist eine ganz andere Sache.

Auch die Verzierungstechnologie selbst verbesserte sich – Plattner fanden nach und nach Wege, Metall nicht nur zu polieren und zu gravieren, sondern auch zu ätzen und mit anderen Metallen zu überziehen. Sie begannen, mit Goldschmieden und Künstlern zusammenzuarbeiten. Es sind Skizzen von Waffen und Designentwürfe vieler Künstler erhalten geblieben, die sich damit etwas dazuverdienten. Albrecht Dürer beispielsweise widmete sich in seinem Werk sehr detailliert Rüstungen und Waffen.

Albrecht Dürers Gemälde „Ritter, Tod und Teufel“, auf dem man gut sehen kann, wie detailliert er sich auf die Rüstung des Ritters konzentrierte.

Eine prunkvoll verzierte Rüstung diente nicht nur als Werbung für den Reichtum des Trägers, sondern kommunizierte viele weitere Bedeutungen. Legen wir also den Schutzaspekt für einen Moment beiseite und schauen wir uns gemeinsam an, wie eine Rüstung „sprach“ und was sie über ihren Besitzer aussagte.

Form und Silhouette

Rüstungen waren nicht nur eine Leinwand oder ein „Kleiderständer für Dekorationen“, sie erreichten oft selbst die Qualität einer Skulptur. So wie sich Mode und Kleidung im Laufe der Zeit änderten und andere körperliche Attribute betont wurden, veränderte sich auch die Silhouette der Rüstung. Zwar hatte der maximale Schutz des Trägers Priorität, was den Änderungen Grenzen setzte, aber das hinderte die Plattner nicht daran, dem Stahl einzigartige Formen zu verleihen, bestimmte körperliche Merkmale des Besitzers zu betonen oder direkt die Formensprache verschiedenster Kunstformen zu übernehmen.

In der Renaissance verbreitete sich vor allem bei deutschen Rüstungen das Kannelieren. Dabei handelte es sich um Rillen, die über die Platten verliefen und ihnen strukturelle Festigkeit verliehen. Sie hatten aber auch eine ästhetische Funktion; sie lenkten den Blick des Betrachters, ähnlich wie eine durchdachte Bildkomposition. Gleichzeitig bietet sich hier eine Parallele zu antiken Säulen, bei denen Kannelierungen ebenfalls häufig verwendet wurden. Diese Ähnlichkeit überrascht wohl kaum jemanden, besonders wenn man weiß, wie sehr sich die Renaissance in vielerlei Hinsicht von der Antike inspirieren ließ.

Kannelierte deutsche Rüstung aus dem Metropolitan Museum NY, datiert auf ca. 1525.

Wir müssen nicht weit suchen, um eine noch direktere Inspiration durch die Antike zu finden. In Italien entwickelte sich ein Helmtyp namens Barbuta, der das ikonische Aussehen des korinthischen Helms praktisch kopierte – vor allem durch das T-förmige Visier. Da das Design von Helmen ein ständiger Kampf zwischen maximalem Gesichtsschutz und möglichst geringer Einschränkung von Sicht und Atmung war, ist es ziemlich überraschend, dass dieses recht praktische Design nur in Italien und nur für kurze Zeit ein Comeback erlebte.

Helm vom Typ Barbuta aus dem Metropolitan Museum NY, datiert auf ca. 1460.

Rüstungen kopierten nicht selten auch Formen ziviler Kleidung. Ein glänzendes Beispiel ist die englische Rüstung aus der Zeit von Elisabeth I. Die ideale Form des männlichen Körpers hatte breite Schultern, relativ breite Hüften und elegante Beine. In der zivilen Kleidung setzten sich daher Strümpfe und, um es modern auszudrücken, Pluderhosen durch; an den Schultern durften Polster nicht fehlen. Die Form der Rüstungen versuchte sich dem anzupassen, und man muss hinzufügen: erfolgreich. Die Technologie war zu dieser Zeit bereits weit fortgeschritten, und die königliche Werkstatt in Greenwich, die als englische Spitze galt, wusste dies perfekt zu nutzen.

Ein kurioser Modetrend, der sowohl in Stoff- als auch in Blechausführung zu beobachten ist, war der sogenannte Schamkapsel (Codpiece). Im Grunde handelte es sich um ein Kleidungsstück, das die Männlichkeit seines Trägers betonte. Man könnte etwas sarkastisch anmerken, dass die Blechausführung dieses Teils am Ende vielleicht mehr Sinn ergab.

Wir begegnen jedoch auch Fällen, in denen nicht nur die allgemeine Silhouette, sondern praktisch das gesamte Kleidungsstück in Stahl übertragen wurde. Ab Ende des 15. Jahrhunderts bildeten sogenannte Landsknechte einen großen Teil der Armee des Heiligen Römischen Reiches. Es waren Söldner, die nicht nur für ihre Kampfleistungen, sondern auch für ihre sehr extravagante Mode berühmt waren. Ihr Markenzeichen waren gepuffte Wämser mit Ballonärmeln und langen Schlitzen sowie ähnlich gestaltete Hosen.

Es sind einige Rüstungen erhalten geblieben, die tatsächlich die Formen von gepufftem Stoff einfangen, wie zum Beispiel diese Rüstung aus dem Kunsthistorischen Museum, datiert auf das Jahr 1523.

Die Plattner gingen sogar so weit ins Detail, dass man bei genauer Untersuchung auf der Metalloberfläche feine Muster finden kann, die Ziernähte im Stoff nachahmen.

Obwohl die Blechschicht manchmal das Einzige war, was den Besitzer von einer schrecklichen Verletzung oder gar dem Tod trennte, bedeutete das nicht, dass sich alles einem einzigen Zweck unterordnen musste. Rüstungshersteller wussten genau, dass sie eine Rüstung von oben bis unten vergolden konnten – wenn die Grundform jedoch nicht den hohen ästhetischen Ansprüchen der Zeit entsprach, wäre das alles nichts wert gewesen.

Ein Aristokrat wollte einfach gut aussehen, und letztendlich wollten sich auch der Plattner und seine ganze Werkstatt profilieren. Die elegante und originelle Form des Ganzen war daher der erste und vielleicht wichtigste Baustein. Man kann also keineswegs sagen, dass sich Plattner von Konventionen einschränken ließen.

Oberflächenbehandlung und bemalte Rüstungen

Die ästhetische Seite einer Rüstung begann bereits bei ihrer Oberflächenbehandlung. Polieren war nämlich ziemlich zeitaufwendig und für die Festigkeit der Rüstung nicht notwendig. Das Weglassen dieses Schrittes konnte erhebliche Einsparungen bringen. Am anderen Ende der Skala stand der Spiegelglanz, der durch stundenlange, ausdauernde Arbeit erreicht werden konnte. Der Ritter signalisierte damit, dass er es sich leisten konnte, nicht nur die exklusive Verarbeitung zu bezahlen, sondern auch die Leute, die sich um seine Rüstung kümmerten. Auf einem so polierten Panzer war nämlich jeder Kratzer oder Rostfleck sehr gut sichtbar, und die Notwendigkeit ständiger Wartung signalisierte den Status des Trägers.

Eine der möglichen Oberflächenbehandlungen war auch das Schwärzen (oder Bläuen). Im Grunde handelte es sich um eine kontrollierte Oxidation – meist durch Hitze (heute lässt sich das gleiche Ergebnis auch chemisch erzielen). Es konnte auch mit Polieren kombiniert werden – wenn eine bereits polierte Oberfläche geschwärzt wurde, blieb der Glanz erhalten. Neben dem ästhetischen Effekt hatte es auch einen praktischen Vorteil – die Oberfläche war vor Korrosion geschützt. Auch das Schwärzen kam jedoch nicht ohne Wartung aus, Kampfspuren waren darauf ziemlich deutlich sichtbar.

Umfangreiche Möglichkeiten, mit Reichtum zu prahlen und sich gleichzeitig von anderen abzuheben, boten jedoch auch andere Rüstungsarten. Bevor die europäische Metallurgie zur Herstellung großer Stahlstücke überging, aus denen man zuverlässig Kürasse und andere große Rüstungsteile fertigen konnte, erfreuten sich Brigantinen großer Beliebtheit. Es handelte sich um eine Art Wams, dessen Innenseite aus einer Vielzahl kleinerer Metallplättchen bestand, die auf die äußere Stoffschicht genietet waren und sich gegenseitig überlappten. Die Technologie war so gut, dass Brigantinen lange Zeit parallel zur klassischen Plattenrüstung existierten.

Links: Italienische Brigantine, um 1400 (Metropolitan Museum of Arts NY) Rechts: Geschwärzte (bzw. gebläute) Rüstung, reich mit Gold verziert, ursprünglich im Besitz von George Clifford, Wende 16. und 17. Jh.

Gerade die äußere Stoffschicht bot viel Raum, in dem sich der Besitzer verwirklichen konnte. Angefangen bei der Qualität des Stoffes (die teuersten Exemplare waren aus Seide gefertigt) über Farben und Stoffmuster bis hin zur künstlerischen Gestaltung der Nietköpfe.

Das Streben nach einem individuellen Aussehen war nicht nur für Adlige charakteristisch, sondern wahrscheinlich auch für einfache Soldaten. Es ist zum Beispiel ein bemalter Schaller erhalten geblieben, der mit dem Gesicht eines zahnigen Monsters verziert ist. Offensichtlich war dies ein Versuch, den Gegner einzuschüchtern, aber gleichzeitig ist es auch ein schöner Beweis dafür, dass Menschen seit jeher das Bedürfnis haben, ihre Ausrüstung nach eigenem Geschmack anzupassen. Dieses Bedürfnis hat nichts mit den finanziellen Möglichkeiten des Besitzers zu tun. Wenn sich jemand teures Polieren oder andere visuelle Spielereien nicht leisten konnte, besorgte er sich Farben, und dann war es nur noch eine Frage des Geschicks.

Bemalter Schaller, 15. Jahrhundert (Wallace Collection).

Es wird spekuliert, dass es in der Geschichte mehr bemalte Rüstungen gegeben haben könnte und dass wir sie in der viktorianischen Zeit verloren haben. Englische Adlige jener Zeit hatten ihre eigene Vorstellung davon, wie eine Rüstung auszusehen hatte, und wenn sie von diesen Vorstellungen abwich, änderten sie sie einfach, was auch das Entfernen der ursprünglichen Farben beinhaltete. Über diese viktorianische Praxis wissen wir Bescheid; was wir nicht wissen, ist, wie vielen Gemälden sie zum Opfer fiel. Zu bestimmen, wie häufig diese Farbänderungen waren, ist daher sehr schwierig.

Menschen im Mittelalter liebten Verzierungen und Farben aller Art, selbst die billigsten Lederwaren waren zum Beispiel mit eingeprägten Mustern verziert. Die Qualität der Prägung stieg natürlich mit dem Preis – je niedriger, desto schwankender war sie – die Muster verloren ihre Regelmäßigkeit, die Tiefe der Prägung unterschied sich fast bei jedem Zentimeter. Wir wissen, dass zum Beispiel die Innenräume von Burgen in allen Farben leuchteten (kahle Wände sind in der Regel das Ergebnis der Denkmalpflege des 19. Jahrhunderts), aber da sind wir wieder im Kontext der Aristokratie. Funde von verzierten Lederwaren minderer Qualität sagen uns jedoch ziemlich deutlich, dass jede freie Oberfläche früher oder später für jemanden zur Leinwand wurde. Mit dem Wissen um diese Tatsachen kann man nicht ausschließen, dass bunte Malerei auch die Rüstungen ärmerer Soldaten schmückte.

Selbstpräsentation und PR

Die visuelle Gestaltung einer Rüstung konnte auch als PR-Instrument dienen. Ein perfektes Beispiel sind etwa die Rüstungen des römisch-deutschen Kaisers Maximilian I. Er ließ zu seinen Lebzeiten viele komplette Rüstungen und Teile davon anfertigen, einige für sich selbst, einige für Familienmitglieder, andere als diplomatische Geschenke.

Die älteste erhaltene Rüstung ist die, die Maximilian kurz nach seiner Hochzeit mit Maria von Burgund anfertigen ließ. Er kam als Fremder und ohne Vermögen an den burgundischen Hof, im Schatten einer drohenden französischen Invasion. Um die Gunst des burgundischen Adels zu gewinnen, musste er die Franzosen nicht nur zurückschlagen, sondern gleichzeitig die Gelegenheit nutzen, sich als der Beste der Besten zu präsentieren.

Gerade die neue Rüstung (wahrscheinlich mit dem Geld seiner Frau bezahlt, obwohl Maximilian regelmäßig hohe Schulden hinterließ), sehr kostspielig und bis ins kleinste Detail präzise verarbeitet, sollte dazu beitragen und sein Bild als Retter verstärken. In diesem Moment diente sie ohne Übertreibung als sein Superhelden-Anzug. Gleichzeitig trug sie die eindeutige Handschrift deutscher Plattner – Maximilian versuchte nicht, seine Herkunft zu verbergen, im Gegenteil, er sagte klar: „Ja, ich bin ein Fremder, aber ich weiß genau, was ich tue. Ich bin eure beste Hoffnung, also hört zu und ich werde euch zum Sieg führen.“ Erst in späteren Jahren ließ er weitere Rüstungen im Stil des lokalen Adels anfertigen. Symbolisch wuchs er so mit der angeheirateten Herrschaft zusammen.

Im Zusammenhang mit Maximilian taucht auch sein persönliches Zeichen auf – der Granatapfel, und zwar nicht nur auf Gemälden, sondern auch als Motiv, das in einige seiner Rüstungen geätzt wurde. Laut Johannes Stabius symbolisierte er innere Qualitäten, die zwar auf den ersten Blick verborgen sind, sich aber Tag für Tag zeigen. Als Maximilian römisch-deutscher Kaiser wurde, konnte man den Granatapfel als eine Art Metapher für sein Reich interpretieren – viele verschiedene Staaten, jeder hat seine Qualitäten und alle sind zu einem Ganzen verbunden. Der Apfel war jedoch nicht Maximilians heraldisches Zeichen, es war ein Zeichen, das er selbst für sich wählte und als eine Art metaphorischen Ausdruck seiner Einstellungen und Überzeugungen verwendete. Der Granatapfel hat auch religiöse Konnotationen, er symbolisiert die Wunden Christi. Die Beliebtheit religiöser Motive beobachten wir in fast allen Kontexten, daher überrascht es sicher auch bei Rüstungen nicht.

Und Maximilian I. war bei weitem nicht der Einzige, der mit seiner Rüstung sein öffentliches Bild schuf und gleichzeitig seine Ideale präsentierte. Auf der berühmten „Herkules-Rüstung“ ließ sein Namensvetter und ebenfalls römisch-deutscher Kaiser Maximilian II. den griechischen Helden Herakles verewigen, wie er die zwölf Aufgaben erfüllt. Er wollte nicht nur vordergründig seinen Reichtum zeigen (obwohl auch das sicherlich eine Rolle spielte). Die Verwaltung des Heiligen Römischen Reiches war an sich schon eine anspruchsvolle Aufgabe, und Maximilian verglich sich mit dieser Rüstung symbolisch mit Herakles als ein Paar von Helden, die die schwierigsten Aufgaben erfüllen. Gleichzeitig zeigte er seinen eigenen kulturellen Horizont und seine Bildung.

„Herkules“-Rüstung von Kaiser Maximilian II., datiert auf das Jahr 1555 (Kunsthistorisches Museum Wien)

Eine kleine Perle zum Schluss: Kaiser liebten nicht unbedingt nur kostspielige und komplizierte Verzierungen. Karl V. zum Beispiel mochte Streifen, was nicht nur auf Porträts, sondern auch auf einigen Rüstungen zu sehen ist.

Wir sind noch nicht fertig! Wenn dich das Gerede über die ästhetische Bedeutung von Rüstungen interessiert hat, kannst du dich auf die Fortsetzung freuen. Im zweiten Teil schauen wir uns Rüstungsverzierungen im Kontext von Turnieren an und ob eine Rüstung auch als Einschüchterungsinstrument dienen konnte.